Parlare male dei pittori

PARLARE MALE DEI PITTORI
Perché gli scrittori amano criticare i pittori.

La maggior parte delle informazioni e delle critiche scritte degli artisti al mondo classico, per non parlare della maggior parte delle loro opere d’arte, non sono più disponibili. Antigonos di Karystos, uno scrittore greco del III secolo a.C. e Duris di Samos, un altro scrittore contemporaneo, si dice abbiano trattato dell’ argomento. Oggi, quel poco che sappiamo del loro opere è, grazie a uno studioso e militare romano, Plinio il Vecchio, che ha trascritto le fonti greche che erano ancora disponibili ai suoi tempi.

Plinio il Vecchio (Gaius Plinius Secundus), fu un’importante figura militare in possesso di una cultura enciclopedica, nato a Como, Italia, nel 23, forse 24 d.C. La sua frase, ‘Non lasciare un giorno senza scrivere qualcosa’ fu ripresa da Cennino d’Andrea Cennini, artista e studioso che, milletrecento anni dopo diede un consiglio simile ai pittori; ‘non mancate di disegnare qualcosa ogni giorno, anche modestamente’.

Studiosi greci come Dionigi, un filosofo del primo secolo a.C., avevano un’idea precisa della storia dell’arte e un chiaro senso di come le scuole d’arte fossero sviluppate dai tempi precedenti. Come nel leggendario rivaltà tra Apelle e Protogene, gli artisti egiziani precedenti ritenevano che i disegni lineari elegantemente eseguiti fossero di fondamentale importanza nella composizione dei loro affreschi. All’interno di queste aree lineari, il pittore applicava semplici aree uniformi di colore.

Gli storici dell’era classica dopo Apollodoro, (un savant ateniese del 140 a.C ateniese) ammiravano artisti come Apelle, il pittore del 4 ° secolo, per le loro abilità tecniche. Quando Plinio parla di artisti greci, i suoi riferimenti sono per lo più aneddotici; mostra la sua ammirazione per l’invenzione del chiaroscuro, l’abilità nel rendere la figura femminile ideale, e l’uso di ricchi colori corposi. Molte di queste idee sono sopravvissute agli ultimi duemila – cinquemila anni. Ad esempio, Plinio invita gli appassionati d’arte di ammirare quegli esempi di ritratti in cui gli occhi del soggetto sembrano seguirle mentre si sposta. Molti amanti dell’arte che oggi vengono trascinati attraverso un museo d’arte hanno incontrato commenti simili da parte di guide turistiche che spiegano come un particolare ritratto in mostra faccia la stessa cosa: un esempio di confondere l’abilità tecnica con qualità artistica.

Leonardo da Vinci (1452–1519). Ritratto in sanguigno (un gesso, rosso-sienna, usato molto efficacemente nel periodo rococò francese).

Abbozzato nel 1515, quattro anni prima della sua morte, gli studenti d’arte lo considera un autoritratto. Tuttavia, alcuni accademici credono che possa essere invece l’immagine di un uomo molto più vecchio. Ora è conservata in un archivio di massima sicurezza presso la Biblioteca Reale di Torino. La carta su cui Leonardo creò questo disegno è in condizioni molto fragili.

Leonardo da Vinci, nei suoi scritti, consiglia agli artisti che si trovano a corto d’ispirazione quando dipingono un paesaggio di gettare una spugna imbevuta di colore sulla superficie della sua tela. L’artista scoprirà, nascosti nel caos di colori risultante, molti stili e suggestioni di paesaggi diversi che stimoleranno la sua immaginazione. Tuttavia, Leonardo si era impossessato di una leggenda citata per la prima volta in scritti greci classici. Ancora una volta, è attribuita ad Apelle. Apparentemente, durante la creazione di una scena di battaglia, Apelle non riuscì a dipingere con sufficiente realismo uno dei suoi cavalli da guerra con la schiuma alla bocca. In preda alla frustrazione, l’artista gettò una spugna carica di colore sul suo dipinto della testa del cavallo e scoprì con sua grande gioia che l’effetto accidentale ottenuto era quello che aveva altrimenti tentato, senza successo.

Un’altra abilità molto ammirata dagli storici dell’epoca classica era la capacità di un pittore di creare illusioni tridimensionali in un dipinto: fiori, frutti che erano più realistici degli oggetti veri. L’esempio citato fu un dipinto di Apelle con un grappolo d’uva, così tangibile che uccelli veri cercavano di mangiarlo.

Questa leggenda è sopravvissuta attraverso i secoli ed è riemersa di nuovo con Rembrandt van Rijn. Il maestro olandese aveva una reputazione di parsimonia. La leggenda narra che alcuni dei suoi giovani allievi, così ispirati, dipinsero una moneta d’oro sul pavimento dello studio. I giovani artisti crearono una moneta così realistica che Rembrandt, quando entrò nello studio, notò immediatamente l’imitazione del fiorino d’oro e cercò, guardato di nascosto dai suoi allievi, di raccoglierla.

Giorgio Vasari è riconosciuto come il primo storico dell’arte professionale. Pubblicò le sue Vite dei più eminenti pittori, scultori e architetti nel 1550 a Firenze. Una seconda edizione, ampliata e rivista, apparve nel 1568. Gli storici accusarono Vasari di aver in ogni caso dipinto sopra, se non proprio distrutto, i frammenti dell’affresco superstite di Leonardo da Vinci, Battaglia di Anghiari nel Salone dei Cinquecento in Palazzo Vecchio a Firenze. Nel 1557, circa sessant’anni dopo la morte di Leonardo, Vasari, indossando il suo altro cappello da architetto, ridisegnò la stanza. Se avesse sovrapposto il proprio affresco sui frammenti dell’opera di Leonardo, avrebbe dovuto aggiungere un nuovo strato di intonaco sopra l’originale di da Vinci.

Al fine che l’intonaco potesse prendere possesso e aderire al livello inferiore d’intonaco, Vasari avrebbe dovuto praticare numerosi piccoli fori nello strato di malta su cui era dipinta la “Battaglia” di Leonardo: distruggendo effettivamente l’affresco di Leonardo sottostante. Una teoria ottimistica che sta tuttora circolando è che Vasari, nella sua grande ammirazione per Leonardo da Vinci e per la sua opera d’arte ancora esistente sotto, e, desideroso di preservarla dalla distruzione, abbia costruito un muro cieco per conservare il murale sepolto di Leonardo.

Nel 1921 il conte Luciano Rasponi Spinelli, donò l’Archivio di Giorgio Vasari al Comune di Arezzo per essere contenuto nella sua casa, da poco trasformata in museo. L’intenzione era di conservare gli importanti trentuno fascicoli e renderli accessibili agli studiosi e al pubblico in generale.

Nell’ottobre 2009 il compianto Giovanni Festari, proprietario dei manoscritti e degli archivi originali della casa del Vasari ad Arezzo, tentò di venderli per 150 milioni di euro a misteriosi acquirenti russi. La débâcle della tentata vendita ai russi ha contribuito a far sì che i proprietari ereditati rivendicassero la perdita di un patrimonio multimilionario. Le autorità governative italiane, li hanno espropriati nell’aprile 2018 riconoscendo il valore culturale e storico dell’archivio Vasari per l’Italia. L’importanza di Giorgio Vasari è aumentata sempre di più negli ultimi tempi.

Dipingeva in uno stile manierista, Ci sono dei tentativi, di tanto in tanto, di resuscitare Giorgio Vasari, visto come pittore, e dargli il suo piccolo capitolo nella storia dell’arte come importante pittore toscano del Rinascimento. Tra questi, una mostra che celebrò il 500° anniversario della sua nascita ad Arezzo, ospitata dalla Galleria Comunale d’Arte Contemporanea fino all’11 dicembre 2011, e agli Uffizi di Firenze.

Giorgio Vasari, 1511 – 1574.San Giorgio e il drago, olio su legname, 240×320 cm. Arezzo, Italia, Chiesa della Badia.

Cezanne, quel vecchio folle

Pur essendo essi stessi artisti creativi, anche se in un medium diverso, gli scrittori sembrano spesso incapaci di ritrarre gli artisti come qualcosa di diverso, buffoni, o caricature, non avendone apparentemente mai incontrato uno in vita loro. Quando Emile Zola pubblicò il suo romanzo L’Oeuvre nel 1886, usò la sua abilità letteraria quale arma per ferire un amico fedele, Paul Cézanne, “per procura”. Erano stati a scuola insieme a Aix-en-Provence e rimasero amici nei circoli artistici parigini. Cézanne prese male il suo ritratto del pittore fallito Claude Lantier nel romanzo di Zola. Prese le distanze dal romanziere, scrivendo, sommariamente, nel 1886 per ringraziare Zola ad avergli inviato una copia del romanzo. Nel soggetto di L’oeuvre. Cezanne fu consapevole di essere patrocinato, l’ignoranza tipica degli scrittori per l’arte e particolarmente l’esempio del pittore geniale che fu Cezanne. Emile Zola morì nel settembre 1902 senza aver più contatti con il pittore.

Paul Cézanne a Aix-En-Provence, 1902 con Gaston Villeberdeau, commerciante d’art.

Considerato dai cittadini di Aix-En –Provence, quel vecchio sciocco (ce vieux fada).

Incontra la moglie, Marie-Hortense Fiquet, di famiglia operaia, a Parigi nel 1869. Consapevole che si mantenevano con le ricchezze lasciate dal padre di Cezanne, un banchiere della provincia di Forlì, la donna non prendeva sul serio la sua arte. Al contrario, era grata che il marito adottare l’arte della pittura, piuttosto che uno stile di vita più spericolato che la sua fortuna gli avrebbe permesso.

Un’antica sibilla greca, nell’opera di Matthew Moss, mostra un Rembrandt geloso che brandisce un coltello nell’atto di tagliare l’orecchio del suo indifeso compatriota e rivale, Vincent van Gogh. Il loro compagno collettivo, Henri de Toulouse-Lautrec, guarda la scena con orrore. L’artista greco Apelle, del IV secolo a.C., aveva anche, ai suoi tempi, un rapporto di amore-odio con il suo contemporaneo e rivale, Protogene, e si divertiva a deridere il suo lavoro con apprezzamenti poco lusinghieri.

PIERRE BONNARD: LA RAPPRESAGLIA DI PICASSO
Picasso detestava notoriamente le tele di Bonnard. Nel 1940 denigrò pubblicamente il suo stile tardo post-impressionista. Il suo attacco riuscì a frenare le vendite delle prime opere di Pierre Bonnard, che cominciavano, solo allora, a diventare popolari.

Richiamandosi al conflitto tra Gauguin e Van Gogh di una generazione precedente sul valore del Lavoro all’aperto, Picasso non era d’accordo con l’idea di lavorare a contatto con la natura. Era una pratica abituale dei compagni Nabis come Édouard Vuillard. Il pittore spagnolo considerava l’arte un’attività di carattere puramente celebrale, per la quale non aspettarsi che la natura fornisca informazioni e buoni consigli”.

L’importanza che Bonnard attribuiva al colore fu “un pot-pourri d’indecisioni”, secondo l’attacco di Pablo Picasso. Tuttavia, è per quest’attenzione di Bonnard per il colore che Matisse lo ammira e stringe amicizia con lui. Oggi l’approvazione di Matisse è molto più ampia che in passato e può persino contare maggiormente del giudizio di Picasso.

Robert Hughes, lo scrittore australiano sull’arte, menziona che, nei suoi trent’anni con la rivista americana Time, era palese che scrivere con simpatia su un pittore in questo giornale ampiamente distribuito non necessariamente aumentava la sua carriera. Ha dato la menzogna all’importanza che i critici d’arte a volte avevano di se stessi nella loro capacità di creare o distruggere un pittore.

L’autore, Hughes, che all’epoca viveva a Manhattan, non riusciva a capire come i critici d’arte americani del dopoguerra come Leo Steinberg, Harold Rosenberg e Clement Greenberg credessero seriamente che, per ottenere legittimità, li artisti dovessero seguire i suggerimenti dei critici letterari su quali soggetti e temi sarebbero stati più adatti all’arte. Il critico d’arte credeva che fosse alla guida di un’orchestra letteraria.

L’emergere dell’arte concettuale in quel periodo incoraggiava l’artista che creava le opere d’arte come idee. Il concetto, scritto sulla carta, era, apparentemente, buono come un’opera d’arte finita. Il linguaggio e le parole erano di primaria importanza nelle opere, per esempio, di Ed Ruscha, il pittore concettuale californiano. Questi pittori componevano blocchi di testo in frasi oscure o singole parole dipinte su tela o semplicemente, applicate alle pareti espositive imbiancate di una galleria d’arte.

Il febbrile clima artistico dell’America degli anni Settanta ha giocato a favore di un critico spiritoso e divertente, il saggista Tom Wolfe. Nel suo The Painted Word pubblicato nel 1975, Wolfe notò, correttamente, che la teoria prevaleva ormai sulla pratica nel mondo dell’arte. L’idea di mettere insieme un’opera d’arte, usando materiali tradizionali o sperimentali, colpiva troppo le idee dell’epoca vittoriana, di William Morris e del movimento Arts and Crafts inglese del 1890. Un’epoca ormai tramontata in cui artisti e collezionisti prestavano la dovuta attenzione alle teorie spesso eccentriche di critici d’arte dall’ego esagerato.

L’arte è andata avanti. Pochi di questi giudici, megalomani e arroganti, hanno raggiunto il potere ambito della loro contemporanea Dorothy Parker, la drammatica critica di Broadway su Vanity Fair e sul New Yorker, per essere l’arbitro finale dell’arte o degli artisti. Comunque, anche lo studioso Vasari avrebbe accettato l’opinione, tenuta dalla maggior parte dei pittori, che l’unico vero danno che un critico d’arte può infliggere quando scrive su di te è quello di sbagliare lo spelling del proprio nome.

Se hai bisogno di una valutazione del tuo antico quadro, contatta Matthew Moss a: Free Paintings Evaluation.

NOTES AND EPHEMERA:
L’Oeuvre, roman a clef – A novel where the author conceals real persons and actual events as artistic creations.
Other female artists at (Monday, December 7, 2009):
http://albertis-window.blogspot.com/2009/12/vasari-and-female-artists.html
Angelica Kaufmann
Lavinia Fontana
Elisabetta Sirani,
Elisabeth Vigee-Lebrun.
References to artists’ legendary technical skills:
Protogenes, contemporary rival of Apelles
Giotto’s perfect circle,
Picasso not needing preliminary sketches/drawings

2. “. . . A differenza della critica letteraria dove l’uso stesso delle parole da parte degli scrittori può scatenare un contrattacco. Giorgio Vasari è un’eccezione quasi unica. La sua importanza come storico dell’arte è ciò che attira l’attenzione della critica sulla qualità dei suoi dipinti superstiti. Questo è improbabile che accada con i critici d’arte che raramente possiedono competenze artistiche.

REFERENCES:
1. Leonardo Scatena la Polemica – Paolo Scarano :Gente, Settembre 2011

LINK ESTERNI :
Trattamento dello strato inferiore dell’intonaco per preparare un nuovo strato superiore. Tecnica che Vasari avrebbe usato nella sovradipintura della Battaglia di Anghiari di Leonardo.
http://www.frescopolis.net/immagini/07%20intonaco%20web.jpg

PIERRE BONNARD: SALVATO DA PICASSO
http://www.canadianart.ca/online/reviews/2009/04/02/pierre-bonnard – Blog inattivo

http://www.nydailynews.com/blogs/culture/2009/01/Blog inattivobonnard-at-the-met.html – Blog inattivo

Vasari exhibition in Arezzo, at the, Galleria Comunale d’Arte Contemporanea 11th. December 2011: Ref: Vasari 2011 retrospective:
http://www.arezzonotizie.it/storia-e-cultura/mostre-spettacoli-sapere/64551-vasari-ecco-la-mostra-in-san-francesco