By Matthew Moss, Art Monte-Carlo

Rendere l’accesso al vostro museo facile

Rembrandt è sicuramente pagando un prezzo alto per essere famoso”.

Il direttore del museo, di solito un autorevole studioso d’arte, è spesso affiancato da un direttore di marketing o da un manager del museo. Anche loro non rispondono a nessuno del  loro affetto per l’arte, ma hanno un’agenda separata: creare un reddito grazie alla posizione di monopolio che il museo d’arte occupa nella comunità

Il modo in cui i dipinti in un museo d’arte sono visti oggi è cambiato. In precedenza, l’informazione che il pubblico riceveva sull’opera d’arte era tramite una piccola etichetta di legno dorato o di ottone inchiodata alla base della cornice. Conteneva, nel migliore dei casi, una descrizione sbiadita e imprecisa del soggetto raffigurato nel dipinto e un’ottimistica attribuzione dell’opera d’arte a uno dei maestri antichi.

Oggi ogni quadro, acquerello o disegno incorniciato è accompagnato da un’etichetta dettagliata, seria ed erudita, attaccata al muro vicino. Grandi manifesti illustrati all’entrata e all’uscita e citazioni dell’artista o dei suoi contemporanei sono serigrafati direttamente sulle pareti della mostra.

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I visitatori leggono tanto testo quanto il tempo o l’inclinazione lo permettono, poi scrutano brevemente il dipinto, prima di passare a quello successivo. I manager dei musei costruiscono la redditività delle loro librerie basandosi sulla constatazione che i visitatori preferiscono leggere qualcosa sull’arte piuttosto che tentare di comprendere l’opera stessa.

Il Museo dell’Hermitage di San Pietroburgo ha scoperto negli ultimi anni la crociera e le visite turistiche serali all’istituzione. Crea una nuova fonte di flusso di cassa per il braccio commerciale del museo, ma aggiunge poco o nessun valore al visitatore con più di un interesse di base per l’inestimabile collezione.

Si passa rapidamente da una stanza all’altra, con uno o due dipinti in ogni sezione, sommariamente e con un’etichettatura datata. In poco tempo, siete stati incanalati attraverso la vasta collezione prima che, ancora una volta, siete sulla strada verso l’uscita. La vostra guida ha un’agenda segreta: farvi entrare, attraversare e uscire dalle porte dell’Hermitage nel minor tempo possibile. I custodi e la direzione del museo vi vedono come un piccolo anello di un prezioso e rapido flusso d’incassi.

Villa Borghese a Roma è una delle collezioni di capolavori rinascimentali più importanti al mondo. Per gli amanti  dell’arte, la politica d’ammissione è mal gestita. È causata dalle alte tariffe d’ingresso delle istituzioni e da un servizio approssimativo.  È, in parte, un tentativo di far fronte allo tsunami di visitatori d’arte che sono sempre stati una caratteristica del museo. L’Hermitage, almeno, permette ai singoli visitatori di prendersi il loro tempo per godere e apprezzare le opere d’arte esposte.

L’ingresso alla collezione di Villa Borghese, invece, avviene tramite biglietti acquistati in anticipo. Una politica d’entrata e uscita in turni di due ore è rigorosamente applicata. Non diversamente da quei locali a tempo ridotto ‘dentro e fuori tre volte in una notte’ esplorati nel romanzo di Graham Green del 1939 ‘The Confidential Agent’. Entri, vedi quello che devi guardare ed esci. Altrimenti devi pagare di nuovo.

La villa Borghese, nel febbraio 2011, tenne una grande mostra delle opere di Lucas Cranach, da vedere nella stessa finestra di due ore che dava poco tempo per apprezzarla insieme alla collezione permanente. I visitatori con più di un interesse passeggero in una delle due collezioni si ritrovavano con le porte della galleria chiuse dietro di loro e affrettati verso il bookshop e l’uscita.

William Hogarth, (1735), ‘Tom Rakewell at the Rose Tavern’, Sir John Soane Museum,Londra.

Sotto i piedi di Tom ci sono frammenti di un dipinto di Giulio Cesare. I suoi festaioli hanno distrutto la maggior parte dei antichi quadri; una giovane donna sta servendosi di una candela per incendiare una tela appesa al muro; quadri rappresentano uno dei pericoli dell’intrattenimento dei musei aziendali.

I musei, famosi e meno noti, hanno abbracciato il business dell’intrattenimento aziendale, come lo chiamano loro. I musei offrono in affitto le loro gallerie di quadri e sculture, fuori dell’orario di visita del pubblico a organizzazioni commerciali. Tali fonti li abbracciano volentieri per ricevimenti e intrattenimenti simili. Sono una costante fonte di reddito nonostante la battaglia pandemica. Combinano il fascino dell’esclusiva, spalla a spalla con opere d’arte uniche e il prestigio, come una serata di apertura alla Scala di Milano.  Una fonte di reddito cui i musei fanno fatica a rinunciare.

Immergendosi nell’avventuroso mondo del catering aziendale, i musei d’arte hanno presto scoperto che ha i suoi piccoli difetti e peculiarità. Alcuni hanno creato elaborati protocolli che si sforzano di evitare la combinazione esplosiva di mettere i vecchi maestri e gli ospiti aziendali guancia a guancia. Alcuni proibiscono giustamente di aprire bottiglie di champagne nelle vicinanze delle opere dei vecchi maestri. Suggeriscono, ragionevolmente, che il personale del catering non porti il cibo e i vassoi delle bevande oltre l’altezza delle spalle.

Il largo e raro periodo rosa di Picasso del 1904, ‘L’attore’: olio su tela

Lo sfortunato risultato, nel gennaio 2010, del collasso di un visitatore sulla grande e rara tela del periodo rosa, 1904 di Picasso “L’Attore” nel Metropolitan Museum di New York fu uno strappo frastagliato di 15,5 cm. nell’angolo inferiore destro del dipinto, proprio dove si trova la firma.

Ci possono essere ancora problemi con quegli ospiti aziendali che preferirebbero essere intrattenuti altrove piuttosto che essere circondati da dipinti ammuffiti di uomini bianchi defunti. L’autore e molti altri curatori di musei d’arte nel loro tempo hanno dovuto affrontare con discrezione la conseguenza di queste persone dispettose che colgono l’opportunità di esprimere il loro disappunto per sfigurare un’opera d’arte deturpando la superficie pittorica per mezzo di una biro o un coltello affilato.

Poi ci sono quelli che, alla presenza di opere d’arte così inimmaginabilmente preziose, si trovano sopraffatti, come Stendhal a Firenze nel 1817, da una specie di estasi. È particolarmente spiacevole se, nella contemplazione di tale sublime bellezza, l’ospite aziendale perde l’equilibrio e cade, su uno dei quadri, come un sacco di patate.

Il Rembrandt Guinness 

Rembrandt ed i suoi amici, circondati dai gadgets dello sponsor in occasione del vernissage di una sua mostra di stampe e disegni.
Rembrandt e i suoi amici olandesi si stanno godendo l’ospitalità aziendale fornita da una fabbrica di birra di Dublino. L’occasione è una mostra museale di disegni e acquerelli, color seppia dell’artista. Il tucano che intinge il becco nella Guinness di Rembrandt è una creazione dell’artista John Thomas Young Gilroy del 1935 per un poster della Guinness, mentre una versione precedente della foca grigia della baia di Dublino che riposa su un letto di alghe, con una lattina di birra in equilibrio sul naso, è apparsa per la prima volta nei poster di Gilroy lo stesso anno.

In tempi recenti, abbiamo assistito alla de-accessione di antichità e oggetti d’arte depredati da biblioteche e musei negli stati del Medio Oriente colpiti da conflitti, incluso l’Iraq. Negli anni ’60, i musei hanno iniziato a usare il termine ‘de-accessione’, una parola “interessante”, anche se oscura, quando si disfano delle opere d’arte in loro custodia. Suonava più diplomatico del più semplice ‘liquidare’. La dispersione della vasta collezione d’arte di re Carlo I d’Inghilterra dopo la sua esecuzione nel 1649 è una de accessione di un’epoca precedente. Oliver Cromwell mise in vendita i 2000 dipinti reali e le opere d’arte del defunto re per finanziare, tra gli altri scopi, le sue campagne militari in Irlanda.

Un altro esempio più recente fu la famosa vendita a caldo nel 1931 di 250 capolavori del museo Hermitage di Leningrado da parte della giovane Unione Sovietica, che aveva una grande necessità di valuta internazionale, per industrializzare la sua società prevalentemente agraria. Un banchiere americano Andrew Mellon comprò trentuno antichi maestri, tra cui due Raffaello, la Madonna Alba e, San Giorgio e il Drago, senza dimenticare l’Annunciazione di Jan van Eyck. L’acquisizione fu la pietra miliare della American National Gallery, fondata nel 1937. La deaccessione è in gran parte un fenomeno americano: importanti musei locali e nazionali spesso sono dotati di organi di governo indipendenti dallo stato che permettono tale svendita.

Abbiamo, in tempi recenti, sperimentato la deaccessione di antichità e oggetti d’arte saccheggiati dalle biblioteche e dai musei degli stati riapparsi, tra gli altri, alla Cornell University e in importanti catene di negozi dell’artigianato museale.

L’esempio classico sono i numerosi tentativi fatti nel corso dei decenni per monetizzare un importante quadro creato dall’archetipo dell’espressionista astratto americano Jackson Pollock.  Peggy Guggenheim, amica e principale mecenate di Pollock, donò la tela “Mural” del 1943 all’Università dello Iowa nel 1946.  Nel 1963, dopo aver saputo che stavano tentando di vendere “Mural” da Sotheby’s a Londra, ne chiese la restituzione. Il presidente dell’Università, Virgil Hancher, le assicurò che non c’era alcuna intenzione di trasformare la preziosa opera d’arte in denaro. Molto tempo dopo la scomparsa di Peggy Guggenheim, nel 1979, la legislatura dello Stato dell’Iowa fece diversi tentativi di vendere il quadro, ora valutato tra i 150 e i 200 milioni di dollari, ancora nel 2008, 2009 e con un ultimo tentativo nel febbraio 2011. Ora, nella collezione dell’Università dello Iowa Stanley Museum of Art, città d’Iowa,

I direttori marketing e i politici regionali a volte trovano troppo difficile capire come opere d’arte dal valore enorme siano appese alle pareti del museo locale che, in realtà, non servano a nulla. La deaccessione (la successiva vendita di un’opera d’arte di valore dalla collezione del museo) è un’idea particolarmente sbagliata, sempre. La tentazione dell’insider trading è sempre presente. Cosa più grave, si rende i collezionisti cauti nel donare opere di valore. Le collezioni d’arte pubbliche sono un boccone attraente per l’interferenza politica – molti vedranno le opere d’arte come beni da sfruttare. Appartengono a quella classe di cinici, dice Lord Darlington a Cecil Graham ne Il ventaglio di Lady Windermere di Oscar Wilde del 1892, ‘che conoscono il prezzo di tutto e il valore di niente’.

Se hai bisogno di una valutazione del tuo vecchio dipinto, contatta Matthew Moss al seguente indirizzo  Free Paintings Evaluation.