” Disegnare qualcosa ogni giorno, per quanto modesto”
(Cennino Cennini)
I disegni dei grandi maestri sono opere d’arte create su carta, pergamena e seta, risalenti al primo Rinascimento fino all’epoca di JMW Turner, cioè alla prima metà del XIX secolo. I disegni su carta utilizzati in Cina e in Giappone risalgono a molto prima, al quarto secolo. Sono ugualmente considerati dai collezionisti come opere di antichi maestri. L’arte di queste scuole orientali, a causa del loro stile e dei materiali utilizzati dagli artisti, sono note come disegni a pennello. Gli strumenti di scelta degli artisti europei erano anche, pennello e penna o matita, punta d’argento, acquerello, seppia, bistro, carboncino e sanguigna.
I disegni, per l’artista dell’Alto Rinascimento, erano l’equivalente dei progetti dell’architetto e rappresentavano un investimento importante in tempo e ricerca. Questo includeva il disegno di figure da modelli viventi per i temi classici e dell’Antico Testamento. (Per i soggetti più raccapriccianti, una pronta disponibilità di corpi fu offerta dalle piccole guerre locali permanenti e dal modo rapido in cui il sistema giudiziario si sbarazzava dei condannati). Lo studio dell’artista richiedeva una grande quantità di tempo e di ricerca. Lo studio dell’artista richiedeva una biblioteca di disegni raffiguranti numerosi santi, ognuno con i suoi precisi simboli iconografici e le corrette combinazioni di colori di vestiario.
I disegni preparatori per un affresco, spesso a grandezza naturale, conosciuti come cartoni, richiedevano grandi quantità di carta. La carta era fatta a mano, foglio per foglio, ed estremamente costosa; l’artista poteva, per questo motivo, far sostenere al cliente il costo dei disegni oltre al suo compenso per l’opera d’arte finale. Questi preziosi disegni di studio venivano tramandati da un pittore all’altro per generazioni. Pietro Perugino, il pittore umbro del XV secolo e maestro di Raffaello, riciclò i suoi vecchi disegni durante la sua carriera professionale a tal punto che molte delle sue opere successive sono piuttosto noiose e ripetitive.
Tradizionalmente, l’antica società cinese considerava l’arte del disegno un attributo prezioso degli studiosi istruiti. Il paesaggio, come soggetto a sé stante, esisteva già nella prima arte cinese. I soggetti degli artisti, che riflettono le idee trovate nella poesia, erano la natura transitoria ed effimera della vita, il passaggio del tempo e i cambiamenti di stagioni. Spesso un artista itinerante, il pittore cercava di catturare la natura effimera e l’atmosfera del paesaggio che vedeva davanti a sé.
Il disegno a pennello cinese applicava l’inchiostro in rapidi tratti su carta assorbente, quella che oggi chiamiamo carta di riso. Iniziando con leggeri e sottili lavaggi trasparenti, passando gradualmente al più profondo dei colori nero di carbone per la finitura; la tecnica non permetteva alcuna rielaborazione o ripensamento del soggetto. L’artista cinese o giapponese usava vari gradi di pressione per creare luci e ombre, disegnando alternativamente la punta del pennello leggermente sulla carta per creare linee sottili, mentre inondando altre parti della composizione con neri profondi per le ombre e, infine, raschiando il pennello mezzo asciutto sulla carta per suggerire sfumature e toni chiari. Quest’ultima tecnica, usata nella quadro a olio europea del tardo Rinascimento, era definito, scumbling. ( smorzatura).
La qualità letteraria dei disegni di paesaggio si sviluppò lentamente in Europa. Gli schizzi a penna e inchiostro furono concepiti come sfondi per quadri religiosi e allegorici come nelle opere di Leonardo da Vinci o di Giorgione, La Tempesta. Alla fine emersero nella pienezza del tempo come soggetti a sé stanti nei paesaggi di Claude Lorrain per culminare nei capolavori ad acquerello e a olio di J. M. W. Turner.
La qualità letteraria del paesaggio catturava l’importanza del paesaggio nell’ambiente dell’opera d’arte. Questo includeva paesaggi naturali, montagne, ruscelli che scorrono. Spesso immortalò le rovine costruite dall’uomo, spesso riferendosi a edifici classici sopravvissuti dall’antichità. Lo stile del quadro paesaggistico, sviluppato dallo studio di jan brueghel de velours, è un buon esempio di quest’orientamento. Essi contengono animali esotici e domestici che cavalcano all’interno del paesaggio, trasformandolo in una caratteristica importante del soggetto.
I disegni dei vecchi maestri sono il nostro contatto più diretto con l’artista: l’atto stesso della creazione. Sono una delle forme d’arte più interessanti, anche se rischiose, che si possano acquisire. I disegni sono difficili da autenticare, perché spesso non sono firmati. Raramente c’è un Liber Veritatis [1] della varietà Claude Lorrain che contiene una lista dei disegni del Vecchio Maestro da consultare, e la falsificazione è facile. Ciò di cui il falsario ha bisogno non è altro che carta appartenente al periodo corretto, e che è relativamente facile da trovare. L’analisi chimica del tipo d’inchiostro o pigmento usato nel disegno può rivelare anomalie che possono far sorgere dei sospetti. I laboratori di carta forense cercano d’identificare la qualità, il tipo di carta e le filigrane dell’opera che è analizzato.
Di maggiore utilità concreta è la provenienza conosciuta del disegno e la letteratura di autenticazione precedente da parte di un rispettato studioso del settore. Un semaforo rosso è l’apparizione sul mercato di un disegno che è apparentemente composto da frammenti di disegni noti di un maestro. Inoltre, un disegno potrebbe essere una versione successiva fatta da un altro artista nello stesso studio.
I disegni dei maestri antichi tendono a essere relativamente duraturi e stabili nonostante siano fatti su un materiale così fragile. I collezionisti li conservano per sicurezza in portafogli che possono spostare facilmente in caso di pericolo. Un conservatore specializzato in carta può riportare con successo i disegni in buone condizioni se vengono
Copiare i maestri precedenti era uno dei modi in cui gli stessi pittori acquisivano le loro abilità. Da un punto di vista chimico, stilistico e materiale, il disegno rientra nel periodo giusto anche se non è del maestro accreditato. Gli antichi disegni dei maestri tendono a essere relativamente durevoli e stabili nonostante siano fatti su un materiale così fragile. I collezionisti li conservano per sicurezza in portafogli che possono facilmente spostare in caso di pericolo. Un conservatore specializzato in carta può ripristinare con successo i disegni in buone condizioni se sono danneggiati. Questo può essere normalmente causato dall’umidità, che favorisce l’insediamento di batteri nelle fibre, li consuma e indebolisce gradualmente la carta. Il risultato sono macchie antiestetiche che il restauratore tratterà poi chimicamente. Strappi o buchi nel vecchio disegno possono essere riparati con successo per rendere il danno relativamente invisibile. I disegni, però, si degradano, diventano fragili. Sbiadiscono anche seriamente quando sono esposti a troppa luce per lunghi periodi. C’è ben poco da fare, specialmente se l’opera d’arte contiene colore, sia esso pastello, gesso o acquerello. Appendi il disegno lontano dalla luce diretta e solo per brevi periodi.
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Peter Paul Rubens – Carro trionfale di Kallo (dettaglio).1638 Olio su pannello di quercia, 105 x 72 cm. Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Antwerp..
Il disegno di Peter Paul Rubens, Il Carro Trionfale di Kallo, era un progetto per un quadro allegorico ma anche per un carro della vittoria nell’Ommegang di Anversa, una processione medievale. Era destinato, allo stesso modo, a commemorare la battaglia dell’esercito spagnolo guidato dal cardinale Infante Ferdinando contro le forze armate olandesi, commissionato dal consiglio comunale di Anversa.
Quello che è più evidente della tecnica di Rubens è il fatto che, così tardi nel Rinascimento, egli ha continuato a creare schizzi a olio e anche grandi dipinti monumentali come la Discesa dalla croce nella cattedrale di Nostra Signora di Anversa, su tavole di legno.
La maggior parte dei suoi importanti contemporanei europei – a parte i fiamminghi – avevano ampiamente abbandonato i supporti di legno a favore della tela. D’altra parte, egli utilizzò il tipico modo barocco di preparare schizzi preliminari su carta. Questo prediligeva i gessetti rosso-sangue e nero e il carboncino. Rubens abbozzava frequentemente su carta colorata per evidenziare parti della figura umana dandole un aspetto tridimensionale.
La Pinacoteca di Anversa possiede una serie di piccoli pannelli che Rubens usava per abbozzare le prime fasi di grandi opere commissionate dai clienti. Oggi ci sembrano particolarmente contemporanei, il loro stile assomigliando a quello di Wols, un pittore espressionista tedesco dell’anteguerra, con la struttura della composizione che esplode dal centro verso i bordi del quadro.
Il pannello dipinto a olio, Il Carro Trionfale di Kallo è un buon esempio di questo, era il passo successivo agli schizzi a penna e matita su carta. La tavola preparata per il lavoro è inevitabilmente ricoperta da una sottile imprimatura di gesso o, gesso misto a colla di pelle di coniglio applicata con un pennello da pittore. Rubens lavorava in uno stile alla-prima, che dava allo schizzo una freschezza che a volte si perdeva nel passaggio alla pittura finale.
Jan Brueghel de Velours, il più attivo e talentuoso dei collaboratori di Rubens ha lasciato una serie di schizzi a olio di animali fatti sugli stessi tipi di piccoli pannelli. Deliziosi da vedere, ci sono scimmie, asini, cani e uccelli in varie pose. Jan Brueghel li creò come studi di lavoro da utilizzare nei suoi dipinti finiti. Due si trovano al Kunsthistorisches Museum di Vienna, Gemäldegalerie. Anton van Dyke, un contemporaneo degli altri due pittori, usava simili schizzi a olio su tavola, durante sua pratica lavorativa. La riflettografia sperimentale a infrarossi fatta sui suoi schizzi a olio ad Anversa lo confermò.
Un certo numero di piccoli dipinti su carta di Rembrandt, più simili a schizzi preliminari, sono noti per essere montati su pannelli di legno. È difficile decidere se l’artista, Rembrandt, o un acquirente secondario delle sue opere abbia cercato di aumentare il loro valore di mercato in questo modo. Non è certamente sconosciuta come pratica del dopoguerra nel mercato dell’arte europea, in Francia e in particolare a Parigi: rifoderare opere di Dufy e altri su tela; convertire, miracolosamente, acquerelli e tempere contemporanee su carta in più preziosi quadri.
Rembrandt van Rijn, Leone berbero accovacciato (fine anni 1640, inizio anni 50) 13, 8 x 20, 4cm. Penna e pennello in inchiostro di seppia, Musée du Louvre, Paris.
Rembrandt è probabilmente il primo artista rinascimentale i cui schizzi ci colpiscono come particolarmente moderni, cioè un disegno fatto per se stesso e bello in sé. Gli storici considerano questo disegno come facente parte originariamente di un gruppo che si trova ora al British Museum. Non sappiamo dove Rembrandt abbia visto i leoni che ha disegnato, ma c’è una vecchia iscrizione sul retro, in olandese, che dice che l’artista lo ha realizzato dal vero. La sua pièce de résistance fu probabilmente abbozzata quando i leoni furono importati e stanziati ad Amsterdam dalla Compagnia Olandese delle Indie Orientali. Visto stilisticamente, il leone potrebbe facilmente essere stato creato da un pittore cinese o giapponese. Un pittore orientale tradizionale avrebbe usato il suo pennello carico d’inchiostro per ottenere tali effetti. Rembrandt utilizza la sua penna di canna per suggerire i fianchi, la schiena e le zampe del leone. Con variazioni nelle linee della penna, il peso e la pressione dell’inchiostro, egli rende i contorni, il volume e l’energia del massiccio animale con sicuri, brevi tratti della penna.
Rembrandt aiuta i nostri sensi a individuare la sagoma del leone con un’acquarella di seppia. E’ un (non “una”) colore che permette all’ pittore di creare i toni trasparenti che uno vede sui fianchi del animale. La sua tecnica introduce neri di seppia caldi più profondi nella criniera piena che circonda la testa del leone maturo.
Jan Van Goyen è un pittore olandese interessante, che passò di moda poco dopo la sua morte nel 1656 per essere poi resuscitato dopo la seconda guerra mondiale. Lo stile delle sue tele, pieni di atmosfera, paesaggi marini olandesi e corsi d’acqua, si basa, probabilmente più di quello di qualsiasi altro artista, sulla serietà con cui creava i suoi disegni. La pratica lavorativa di Van Goyen consisteva nel trascorrere i brevi mesi estivi dell’Europa settentrionale viaggiando attraverso i Paesi Bassi, spesso per mare e lungo fiumi e canali, essendo questo un efficiente metodo di viaggio in quei periodo.
Arrivati i mesi più freddi, l’artista si stabilì nel suo studio a Leida (dove era nato nel 1596) e, più tardi, all’Aia e procedette a raccogliere i frutti del suo lavoro estivo. Usò gli schizzi come punto di partenza per disegni più accuratamente composti e finiti che divennero opere d’arte in sé. Da queste opere completate, firmate e datate si guadagnava da vivere dignitosamente. Van Goyen è uno dei pochi pittori il cui progresso nella sua carriera artistica può essere seguito in modo semplice, studiando i suoi disegni.
E l’unica opzione di trasporto disponibile all’epoca. [2] L’ulteriore vantaggio fu la grande quantità di disegni che accumulò del mare, del fiume e del paesaggio olandese, visto dal mare e delle città osservate dalla prospettiva del fiume Reno. I viaggi per acqua di Van Goyen lo portarono da Bruxelles alla Zelanda e alla Germania. I suoi quaderni di schizzi sopravvissuti[3] contengono fino a ottocento disegni.
Claude Lorrain fu un paesaggista francese di successo e prospero, facendo parte della scuola romana. Durante i 50 anni della sua vita lavorativa, il paesaggista tenne un catalogo ragionato, un album di schizzi che conteneva disegni evidenziati a penna, bistre e acquerelli bianchi di piombo di ogni tela che aveva dipinto e venduto. Claude firmava il retro di ciascun schizzo e vi registrava meticolosamente il nome di ogni acquirente. Ha intitolato il suo database del XVII secolo, Liber Veritatis. Nel 1957 il British Museum acquistò il set di 195 disegni rilegati.
Il Liber Veritatis assicurava che i falsi dipinti fatti nello stile dell’artista non sarebbero stati spacciati per autentiche opere del pittore Claude Lorrain. L’intenzione di Claude fu in questo quaderno di schizzi di creare registrazioni molto precise e dettagliate dell’aspetto dei suoi dipinti a olio completati. È uno dei pochi esempi di un pittore del periodo rinascimentale che firma i propri disegni. Gli schizzi di paesaggio a mano libera dell’artista, del resto, sono sempre apparsi notevolmente spontanei.
J.M.W.Turner era pazzo di Claude Lorrain. Il suo progetto editoriale Liber Studiorum, creato nel 1806, era il risultato della sua ammirazione per il Liber Veritatis. Nel XVIII secolo il quaderno di schizzi di Claude era arrivato nella collezione del Duca di Devonshire a Chatsworth House e fu poi inciso e pubblicato nel 1774. Turner conosceva i disegni originali e la successiva pubblicazione. Il suo Liber Studiorum fubuna serie di schizzi di paesaggi a matita, pennello e acquerello color seppia; successivamente, pubblicò alcuni di questi disegni come acqueforti. I disegni compiuti furono consegnati a un tipografo commerciale, Charles Turner, con il quale collaborò regolarmente, per essere incisi come stampe da vendere al pubblico. C’è una notevole differenza stilistica tra la creatività casuale dei disegni e delle incisioni di Turner e le incisioni a mezzatinta più commerciali che l’editore pubblicò in seguito.
A sinistra,Sesshū Tōyō(雪舟 等楊,) 1420-1506, Paesaggio
ad inchiostro, schizzato (Haboku sansui),
firmato e datato, 1495. 147.9 x 32.7 cm. Museo Nazionale di Tokyo.
L’immagine, visibile, a sinistra, è la sezione inferiore del terzo di un rotolo appeso: la sezione superiore è un’iscrizione calligrafica. Sesshū fu un pittore giapponese e un monaco buddista Zen che studiò in Cina. Egli introdusse nella sua patria uno stile cinese unico di pittura a pennello d’inchiostro. Come i suoi predecessori cinesi, Sesshū fu un artista itinerante che viaggiò per tutto il Giappone. Durante i suoi viaggi fece dei dipinti a pennello, rappresentando il paesaggio locale Furono molto ricercati durante la sua vita. I dipinti cinesi e giapponesi nello stile del paesaggio, ‘inchiostro schizzato’ influenzò l’arte europea surrealista-espressionista degli anni 1930 e poi degli anni 1940-50. Espressionismo astratto a New York.
A destra, Matthew Moss, Paesaggio monegasco, acquerello seppia, pennello, bambù e penna d’acciaio, su carta da acquerello fatta a mano Fontaine de Vaucluse. 40,6 x 30,5 cm. Firmato e datato in basso a destra.
La tecnica Zen praticata dai primi pittori cinesi di paesaggi richiedeva che l’artista conservasse nella sua memoria la scena davanti a sé in tutti i suoi dettagli. Senza ulteriori riferimenti al soggetto. l’artista disegnava rapidamente un’immagine del paesaggio completo usando il minimo di pennellate.Il Paesaggio monegasco è fatto alla maniera cinese, usando acquerelli monocromi color seppia e pennello, adattati alle tecniche della pittura europea e allo stile che ci si aspetta di vedere.
Il Paesaggio monegasco è fatto alla maniera cinese, usando acquerelli monocromi color seppia e pennello, adattati alle tecniche della pittura europea e allo stile che ci si aspetta da un pittore che lavora all’inizio del XXI secolo.
Da Raffaello Sanzio, il Rinascimento fiorentino e fino agli artisti neoclassici francesi, Jacque Louis David e Ingres, il disegno era riconosciuto come la struttura fondamentale su cui si costruiva un quadro. L’importanza del soggetto nel quadro fu un concetto accademico fondamentale. Aveva compiuto il suo percorso finale negli ultimi anni del ottocento.
L’inizio del ventesimo secolo, e la nascita dell’arte astratta, fu un’epoca in cui gli artisti si chiesero: “A cosa serve l’arte?”; i pittori vedevano la linea o il disegno, insieme al colore e alla forma, come elementi primari nella creazione pittorica. “Porta a spasso un disegno” è un mantra usato dall’artista svizzero Paul Klee negli anni tra le due guerre che aiutò a liberare l’ondata di creatività che divenne l’arte moderna.
[2] Viaggiare in carrozza o in carretto su strade difficili e pericolose era costoso, richiedeva molta alto impiego di manodopera, ed era molto più lento del trasporto sull’acqua.
[3] Il quaderno degli schizzi di Dresda, circa 1648, si trova nella città, Staatlichen Kunstammlungen.
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