La liberazione dell’artista
Conviene vendere la mia arte online?
Con l’emergere del capitalismo nell’Europa del XVII secolo, la figura dell’intermediario divenne importante nella vita economica dei pittori. Uno dei primi commercianti di dipinti fu il console britannico a Venezia, Joseph Smith, che, come agente di Canaletto, gli consigliò nel 1746 di fare quella che si rivelò una visita di grande successo a Londra. Smith era nella posizione ideale per fornire i paesaggi veneziani che venivano acquistati dalle classi dirigenti britanniche durante il loro Grand Tour. La sua attività coincise con il declino economico di Venezia e di altri principati italiani. Simili cambiamenti economici avvennero più o meno nello stesso periodo dell’indebolimento del dominio spagnolo nei Paesi Bassi, in coincidenza con la Riforma protestante. La conseguente iconoclastia e la distruzione dei dipinti religiosi iniziarono a costringere i pittori olandesi a cercare fonti alternative di reddito.
Hendrick van Uylenburgh fu uno dei molti pittori olandesi che combinarono le loro attività artistiche con il commercio di dipinti, il restauro e la gestione di redditizie accademie d’arte. Nei suoi primi anni in Amsterdam, Rembrandt visse e lavorò nella studio di Van Uylenburgh (dove incontrò la sua futura moglie, la nipote di van Uylenburgh, Saskia), e commercializzò le sue opere attraverso il mercante. Rembrandt stesso non s’impegnò nel business della pittura ma, piuttosto, fu un avido collezionista d’arte.Questa ossessione per la collezionismo portò, alla fine, alla sua rovina. Nell’Inghilterra georgiana, i pittori tendevano a integrare i loro guadagni comprando e vendendo opere d’arte, il più noto dei quali fu Sir Joshua Reynolds. Fu un presidente di successo della Royal Academy, ma, nonostante ciò, la maggior parte della sua ricchezza proveniva dal commercio di opere d’arte antiche.
Rembrandt al lavoro nel laboratorio di Van Uylenburgh
Questi diventeranno tutti autentici Rembrandt; dopo che gli avrò aggiunto la mia firma”.
La Rivoluzione francese vide la crescita del commercio privato di quadri che nasceva dalla necessità di vendere i quadri delle classi dirigenti spodestate che ora arrivavano sul mercato. Un certo numero di galleristi si trasferì da Parigi a Londra tra cui la galleria Colnaghi di New Bond Street, fondata nel 1780 e ancora attiva sebbene, negli ultimi tempi, loro e altri mercanti d’arte e d’antiquariato siano stati costretti, per ragioni economiche, a cedere i loro prestigiosi piano strada a showroom più economici sia nelle località circostanti che ai piani superiori di Bond Street. Il mercato dei commercianti d’arte si è sviluppato dai rivenditori di stampe che compravano olii e acquerelli originali di artisti importanti da cui fare incisioni per la vendita. Questo aprì inaspettatamente nuovi mercati quando scoprirono che la vendita di dipinti originali si stava rivelando più redditizia. Lo zio di Vincent van Gogh fu un socio di uno dei più importanti di questi, la ditta di Adolphe Goupil che aveva iniziato la sua vita in un modo simile; non che avere un parente nel business si sia dimostrato molto utile a Vincent stesso.
New Bond Street è ancora un attivo mercato dell’arte. In tempi recenti, tuttavia, I Colnaghi e altri mercanti e antiquariati sono stati costretti, per ragioni economiche, a liberare i loro prestigiosi locali al livello della strada per sostituirli con showrooms più modesti sia nei dintorni che ai piani superiori di Bond Street.
Il Salon annuale di Parigi attirava seri acquirenti di quadri ed era spesso l’unico mezzo a disposizione dei pittori per mostrare le loro opere al grande pubblico. Tuttavia, alla fine del XIX secolo, la sua influenza stava calando. Il Salon era ancora una preoccupazione onnipresente per i professionisti dell’arte del XIX secolo, da Corot a Manet, e gli impressionisti in particolare. Creò sentimenti e incertezza economica. I fotografi come Nadar, con locali grandi, necessari al loro mestiere, fornivano spesso, spazi agli impressionisti. I locali dei mercanti d’arte erano essenzialmente negozi modesti dove, al massimo, potrebbero esporre uno o due quadri selezionati nella loro vetrina.
Faute de mieux, i mercanti Durand-Ruel e Georges Petit acquisirono il monopolio della scuola impressionista; la loro intraprendenza nello sfruttare il fiorente mercato aumentò il loro forza, di pari passo con un corrispondente indebolimento del potere economico del Salon sulle vendite di quadri. L’ascesa della nuova classe di mercanti, che spesso forniva al pittore uno stipendio mensile insieme con lo spazio dello studio, agì effettivamente come negoziante e guardiano dell’artista, impedendo l’accesso diretto ai nuovi collezionisti borghesi. Economicamente, l’artista non si trovò ancora molto meglio.
Il XX secolo, e con esso una nuova scuola di pittori, ha inaugurato una generazione di mercanti d’arte che si sono concentrati sulle ultime tendenze. Questo vide l’emergere di individui potenti come Daniel-Henri Kahnweiler e Ambroise Vollard. La nuova generazione rappresentò artisti importanti come Picasso, Derain, Henri Matisse e Georges Rouault. Questi mercanti d’arte, come i Durand-Ruel dell’epoca precedente, mantenevano uno stretto controllo sui loro pittori e solo i più affermati, tra cui Picasso, si concedevano una certa indipendenza finanziaria mettendo i galleristi, desiderosi di comprare le loro tele, gli uni contro gli altri.
Art dealers love art not artists
Rembrandt si reca dal suo gallerista: ” Come no, abbiamo solo bisogno di più pittori”
La situazione indecorosa che si sviluppò tra il modesto Rouault e il suo avido mercante d’arte fu più tipica. Solo la morte di Ambroise Vollard, in un incidente stradale nel 1939, liberò Rouault da una servitù sfrenata durante la quale il mercante accumulò circa 800 pezzi della produzione dell’artista. Georges Rouault ottenne il possesso delle sue opere solo dopo il 1947/8, durante una furiosa battaglia legale con la famiglia del defunto Vollard.
La fine della seconda guerra mondiale portò un cambiamento tettonico nel mondo dell’arte. A parte l’emergere di alcuni nuovi importanti pittori come Jean Dubuffet, Jean Fautrier e Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze), l’arte europea in generale, quella francese in particolare, entrò in un letargo profondo. L’eccezione fu la fiorente scuola inglese di scultura. Fu causato, in parte, dall’occupazione tedesca in tempo di guerra. Importanti pittori locali hanno fuggito negli Stati Uniti, e molti di quelli che sono rimasti si sono ritrovati in una situazione ambivalente. L’arte francese non si riprese mai veramente.
Gli Stati Uniti, in particolare New York, non avrebbero potuto essere più diversi; un paese da cui erano emigrati artisti di talento delle generazioni precedenti, James McNeill Whistler, Mary Cassatt, John Singer Sargent e Man Ray (Emmanuel Radnitzky). L’arte moderna americana fu un ambiente appartato e largamente ignorato. L’arrivo dei grandi, dell’arte francese, mise fine a questo suo isolamento.
REMBRANDT SQUATTRINATO
“Mamma, il babbo, ha davvero bisogno d’essere un pittore?”
Con sempre maggiore difficoltà, intellettuali e pittori quali, André Breton, Marcel Duchamp, Salvador Dali e Yves Tanguy, Matta – che visse i suoi ultimi anni a Monaco Ville – riuscirono a raggiungere New York. Erano soprattutto surrealisti o dadaisti. Questa infusione di sangue nella nuova scuola newyorkese fornì l’impulso necessario al decollo dello stile della pittura automatica esplorato da Jackson Pollock, Maxime Gorkey, de Kooning.
Il tafano intellettuale della scuola parigina, Peggy Guggenheim, amica di tutti, da Samuel Bckett a James Joyce, riuscì anche a lasciare la Francia occupata dai tedeschi per gli Stati Uniti portando con sé il suo nuovo marito, il pittore Max Ernst. Peggy Guggenheim, americana, fu il catalizzatore che unì le scuole di Parigi a New York. Vi aprì una galleria per mostrare sia i pittori esiliati di Parigi ma anche la nuova generazione di artisti americani emergenti, identificati alla fine sotto la bandiera dell’Espressionismo Astratto.
Altre potenti gallerie newyorkesi come Leo Castelli e Betty Parson iniziarono a promuovere la nuova direzione che l’arte stava prendendo. Il potere dei commercianti d’arte e il loro rapporto con i pittori, raggiunse il suo apice nel 1962 con l’arrivo sulla scena newyorchese della coppia di mercanti polacchi Frank Lloyd e Harry Fischer e la loro Marlborough Gallery. Avevano aperto la loro prima galleria a Londra nel 1945 e altre in vari paesi europei, tra cui Roma, sempre nel 1962. L’abbondanza di cibo e bevande elargita alla folla di pittori che, incluso l’autore, partecipò all’apertura della Marlborough di Roma continuò a essere commentata con stupore a Roma per molti anni dopo. L’innovazione di Marlborough, sviluppata prima nel Regno Unito con Henry Moore e Barbara Hepworth e poi estesa agli Stati Uniti, consisteva nell’acquisire un portafoglio d’artisti affermati scegliendo i migliori dai mercanti d’arte concorrenti e legandoli attraverso contratti lucrativi, con catene d’oro, fu una tecnica gradualmente adottata da altri mercanti d’arte.
Nel 1982 Roma perse la sua filiale di Marlborough a causa dei pesanti costi associati ad una disastrosa causa legale. Fu intentata dalla figlia del defunto pittore del Colour School, Mark Rothko contro di loro e il proprietario Frank Lloyd. La Marlborough Gallery comprò un gran numero di quadri di Rothko all’asta in circostanze oscure alla scomparsa del pittore.
Frank Lloyd fu, inoltre, trovato colpevole d’aver manomesso i libri contabili della galleria per nascondere l’inganno. Ha pagato svariati milioni in danni e multe, sfuggendo, per un pelo, a una condanna al carcere. L’Economist, citando Clare Mc Andrew, un’analista di statistiche del mercato dell’arte con sede a Dublino, stimò, nel novembre 2009, che le case d’asta controllavano fino al 45% di questo settore.
Negli anni passati, gli scandali nel settore delle aste d’arte, in parte derivanti dalla loro posizione dominante, hanno eroso la loro antica invincibilità. Christies e i suoi rivali, Sotheby’s, con la loro manipolazione dei prezzi in 2001, hanno fatto sì che Adolf Taubman, il proprietario di quest’ultima, sia stato imprigionato negli Stati Uniti e il suo amministratore delegato, Diana Brooks, messo agli arresti domiciliari e pesantemente multato.
Inoltre, l’emergere di tecnologie dirompenti che permettono la vendita online di grandi (e piccole) opere d’arte ha, in una certa misura, minacciato l’industria delle case d’asta. Alcune hanno reagito rendendo disponibili online parti dei loro strumenti e tecniche d’asta. È imprevedibile se questo li protegga o meno da altri che entrano nel loro mercato. Per l’artista praticante, vendere la sua arte online è una manna dal cielo e può essere solo un beneficio.
Inoltre, per i collezionisti che mettono in vendita le loro opere, è la consapevolezza che ora sta diventando di dominio pubblico che le case d’asta pretendono che la “commissione realizzata su una vendita di successo tra il quaranta e il cinquanta per cento” rendendo la somma risultante che il venditore riceverà, meno generosa di quanto sembrava inizialmente.
La creazione della propria galleria d’arte personale online è facile. Non è la fine del mercante d’arte di per sé o la scomparsa della galleria d’arte privata di mattoni e malta tradizionale, ma piuttosto, la maggiore libertà di mettere il tuo dipinto online, come e quando si decide. Mostrare la vostra opera d’arte in tutto il mondo è uno strumento nuovo e importante per gli artisti, un modo prezioso per ottenere l’accesso al vostro pubblico e a un mercato più ampio.
Rembrandt subisce un’incursione
Povero Rembrandt, hanno rubato tutto quello che possedeva, ma hanno del tutto ignorato i suoi quadri’.
Per gli artisti, è semplice come acquisire uno spazio web per esibire il proprio quadro online in una maniera invitante. Volete rendere facile e sicuro per i collezionisti ad acquistare le vostre tele, utilizzando un semplice metodo automatizzato per ricevere e processare i pagamenti. Con la commercializzazione delle vostre opere d’arte attraverso i canali di social networking come Twitter, Tumblr o Facebook e Linkedin i costi sono, in sostanza, nulla.
Creare una mostra, aggiungere descrizioni, informazioni per ogni opera visibile. I visitatori “camminano” attraverso lo spazio della galleria d’arte, visualizzando i dettagli delle opere che li interessano. Le indicazioni che appaiono nel catalogo virtuale, aggiungono informazioni importanti, natura, descrizioni, loro tecnica, formato, per ogni tela; cambiare e aggiungere opere quando necessario. Puoi scegliere che la galleria d’arte rimanga attiva indefinitamente. Collega un invito dalla lista dei contatti della mostra e caricalo sul sito web pubblicato dell’artista, così come sui social media. Gli invitati possono accedere al catalogo della mostra e da lì, trarre beneficio da vostre opere d’arte.
I pittori possono ancora scegliere di perseguire mostre in galleria senza la paura, una volta sempre presente, di essere tagliati fuori dal vasto mercato degli amanti dell’arte e dei collezionisti. Molti sono i nuovi acquirenti che cercano di immergersi nel mondo dell’arte. Gli artisti possono adottare la fotografia sperimentale super-zoom e la realtà aumentata (AR) per aiutare gli amanti dell’arte a “vedere” le opere in situ e, per così dire, camminando attraverso gallerie virtuali. I video con zoom a bassa risoluzione via smartphone permettono ai potenziali acquirenti di avvicinarsi all’opera d’arte nel dettaglio. Il potenziale acquirente può ottenere informazioni utili sul dipinto, la firma dell’artista usando la luce radente, le condizioni fisiche dell’opera d’arte, come è incorniciata.
I potenziali amanti dell’arte e i pittori praticanti possono navigare in una galleria d’arte in Realtà Aumentata usando Google, e altre applicazioni AR emergenti per promuovere mostre in Realtà Aumentata usando tecnologie simili.
Se hai bisogno di una valutazione del tuo vecchio dipinto, contatta Matthew Moss al seguente indirizzo Free Paintings Evaluation