Le guardie del museo vegliano su un Rembrandt sbarrato.
” Che sfortuna, Rembrandt, Leonardo è arrivato prima di te “.
Toulouse Lautrec e van Gogh. Sul palco Leonardo si pavoneggia con la Monna Lisa. La Vittoria di Samotracia, una statua greca classica, del 220-190 a.C., si trova in testa alla famosa scala del 1850. Fa parte dello sfondo che incornicia il Maestro olandese. Le guardie del museo guardano con sospetto l’escluso e non più alla moda Rembrandt, incapace, apparentemente, di entrare nel tempio della bellezza.Rembrandt, tiene nella mano sinistra il suo quadro Susanna al bagno del 1636. Nel dipinto di Matthew, la versione che Rembrandt tiene è su tela. A destra, e parzialmente bloccando Susanna al bagno, c’è il fedele cane da caccia dell’artista che guarda mestamente negli occhi di Rembrandt. Ha le caratteristiche tipiche di un randagio, magro, segaligno, e abbronzato. Le due figure femminili che racchiudono il gruppo di Rembrandt sono un pianto acuto irlandese per i morti, la cattiva sorte del grande maestro olandese. Leonardo, affiancato da due fanciulle, posa davanti alla Gioconda e fa gesti da vincitore del Tour
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Maragliano, Anton Maria, Genova, 1664-1739. Madonna del Rosario, La chiesa-cattedrale di San Siro, Sanremo. Scultura barocca in legno policromo che ha ispirato parti della figura di Rembrandt.
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Studio preparatorio a matita per la figura di Rembrandt seduto sui gradini del Louvre.
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Nel 1515, il re francese Francesco I invase il nord dell’Italia. Un anno dopo, approfittando della nuova realpolitik, Leonardo da Vinci lasciò l’Italia per accettare una proprietà in vitalizio in Francia vicino al Château d’Amboise, la residenza del re. Portò con sé la Gioconda che, alla morte di Leonardo, nel maggio 1519 passò nella collezione reale, i Tableaux du Roy.
Leonardo fu l’inizio dell’amore francese per l’arte italiana che durò fino all’inizio del ventesimo secolo, e ai dipinti di Boldini e Modigliani. Una generazione dopo Leonardo, i pittori manieristi italiani, in fuga dalle condizioni politiche instabili del nord Italia, raggiunsero la Francia. Questi artisti furono molto influenzati dai dipinti peculiarmente idiosincratici del Parmigianino (Francesco Mazzola). La tecnica dell’artista di Parma era un intreccio dello stile artistico di Raffaello e Michelangelo e si distingueva per le figure allungate create in modo stilizzato. Questa caratteristica, ripresa da Niccolò dell’Abbate, Rosso Fiorentino, Francesco Primaticcio, mise forti radici nella pittura francese e si sviluppò a partire dal 1531 nello stile del manierismo francese noto poi come Scuola di Fontainebleau.
Nel gennaio del 1639, Luigi XIII firmò un’ordinanza che dirigeva Poussin, uno dei più grandi pittori francesi, stabilitosi permanentemente a Roma, a tornare a François Sublet Noyers, Trattato con grande rispetto sia da Luigi XIII che dal cardinale de Richelieu, Poussin si trovò, a livello pratico, a scontrarsi con l’interesse consolidato degli artisti residenti a Parigi, in particolare il potente Simon Vouet, professore di pittura del re e fondatore dell’Académie de Saint-Luc. Lo stile barocco e caracciano dell’atelier di Vouet si adattava al modo grandioso, eroico e adulatorio richiesto per lavorare per la casa reale francese ed era in contrasto con lo stile più contemplativo di Poussin. Simon Vouet era un rivale spietato e sgradevole che non perdeva occasione per rendere la vita di Poussin penosa.
Sopraffatto dai problemi logistici e di gestione, associati alla supervisione dei progetti per i disegni e le decorazioni per la Grande Galerie du Louvre, diversi palazzi, edifici pubblici e la costruzione di chiese sotto il controllo del palazzo reale, nel luglio 1642 Poussin ne ebbe, decisamente, abbastanza. Con il permesso del sovrintendente del re, l’artista lasciò Parigi portando poco bagaglio, con lo scopo, apparentemente, di andare a prendere la sua moglie a Roma e tornare con lei a Parigi. Raggiungendo Lione in viaggio verso sud, Poussin contattò Jacques Stella e, attraverso il suo amico pittore, inviò al sovrintendente François Sublet de Noyers un avviso formale che non sarebbe più rientrato.
Nicolas Poussin non fece poi parte dell’establishment artistico francese. I monarchi borbonici che avevano governato la Francia dall’ultima parte del XVI secolo fino alla Rivoluzione francese non apprezzò la decisione del pittore di abbandonare la Francia. I suoi dipinti, di conseguenza, non entrarono (insieme a quelli di Antoon van Dyck) nella collezione reale fino al 1780, più di cento anni dopo la sua morte, confermando un detto, attribuito a Talleyrand, che i Borboni non imparò nulla e non hanno mai dimenticato nulla.
A sinistra: Rembrandt 1660 Autoritratto con cavalletto. Luigi XIV acquistò, intorno al 1671 il suo tardo autoritratto, poco dopo la morte dell’artista.
A destra: Rosso Fiorentino, 1494-1540, Sacra Famiglia con il Bambino San Giovanni Battista. Olio su tavola, 63,5 x 42,5 x 3 cm, The Walters Art Museum, Baltimora, Maryland, USA
Nel 1624 Peter Paul Rubens completò, insieme con i suoi assistenti un ciclo di ventiquattro dipinti su tela molto grandi per il Palazzo del Lussemburgo, esaltando le virtù di Maria de’ Medici, moglie di Enrico IV. Furono riappesi più tardi al Louvre. L’effetto travolgente che queste opere di dimensioni murali crearono sul pubblico e sugli artisti contemporanei come Watteau, inaugurò la fine della scuola di Fontainebleau e un cambio di direzione nella pittura francese verso il barocco. Alla morte di Maria de’ Medici, la serie di Rubens divenne disponibile per visitatori selezionati e giovani artisti, iniziando così la graduale apertura della collezione reale alla visione delle classi medie su base limitata. I Tableaux du Roy iniziarono la loro vita come un museo d’arte formale quando il re Luigi XV nel 1750 permise che un certo numero di dipinti della collezione reale fossero visti dal pubblico due giorni alla settimana (mercoledì e il sabato) nel Palazzo del Lussemburgo. I quadri esposti al pubblico privilegiavano la scuola italiana, in particolare le opere di Tiziano, Veronese, Raffaello e il barocco. I dipinti di Rembrandt non entrarono al Louvre in alcuna quantità fino al 1780, cinquant’anni dopo la sua fondazione, un periodo in cui le opere, cupe e oscure, del maestro olandese subirono un calo di popolarità.
Verso la seconda parte della sua vita Rembrandt adottò uno stile che prevedeva l’applicazione approssimativa di blocchi di colore sulla tela con un pennello largo e carico o, forse, con una spatola, facendo in modo che il dipinto assomigliasse, visto da lontano, a un bassorilievo a colori. Lo stile pittorico di Rembrandt fu sostituito nei Paesi Bassi della fine del XVII secolo dalla tendenza all’arte classica, con superfici di tipo gioiello create dal suo contemporaneo Jan Vermeer, da Gerard Dou, che fu suo allievo, o dalle raffinate opere dettagliate di Gabriel Metsu. La maniera ufficialmente accettata privilegiava ora dipinti ben eseguiti basati sul tardo Rinascimento italiano e sul modo di Peter Paul Rubens.
La rozza manipolazione della materia pittorica da parte di Rembrandt entrò in conflitto con questo cambiamento di gusto artistico, con il risultato che i contratti istituzionali e governativi tendevano a passargli accanto. Un esempio spesso citato è la Congiura dei Batavi sotto Claudio Civilis, di cui un frammento molto ridotto sopravvive nella Galleria Nazionale di Stoccolma. Questa commissione, che rappresentava il più grande dipinto storico di Rembrandt, arrivò solo dopo che il pittore originale incaricato di decorare il nuovo municipio di Amsterdam, Govaert Flinck, precedentemente allievo di Rembrandt, morì con i suoi stivali. La differenza stilistica tra la Congiura dei Batavi e la maniera accademica di Govaert Flinck, Jacob Jordaens e altri che lavoravano contemporaneamente nel municipio creò un conflitto istituzionale che portò, dopo alcuni mesi appesi in situ, al ritorno definitivo della grande tela di Rembrandt nello studio dell’artista.
Rembrandt, negli ultimi anni della sua vita, continuò a dipingere tele speculative e autoritratti, oltre a ricevere commissioni, indirettamente, attraverso una versione olandese-romana della legge fallimentare statunitense del Chapter 11. Tuttavia, si trattava di commissioni private da parte di persone che apprezzavano l’effetto prodotto dal suo stile a impasto. Dopo la morte dell’artista, la pittura a impasto trovo poco spazio nella pittura europea. Tuttavia, la tecnica fu rivista a metà degli anni Sessanta del XIX secolo da Adolphe Monticelli. Il deterioramento dei supporti utilizzati dal pittore marsigliese resa difficile l’interpretazione dello stato attuale delle sue tele. Il ripudio delle opere di Monticelli da parte degli studiosi ha portato al loro abbandono e alla mancata conservazione. L’opposto della cura e dell’attenzione riservata alle opere di Rembrandt e van Gogh. Vincent Van Gogh ammirava le opere di Monticelli e, nel 1890, ne promosse lo stile pittorico in una monografia pubblicata insieme al fratello.
Il Louvre fu convertito in un museo aperto al grande pubblico durante la rivoluzione francese. Dal 1793 in poi gli amanti dell’arte potevano ammirare la collezione ora pubblica tre giorni alla settimana. La scuola italiana di pittura ebbe un impulso con il saccheggio all’ingrosso di chiese e palazzi da parte del barone Dominique Vivant Denon durante la campagna italiana Napoleonica dal 1796 in poi. La sua ricompensa fu, nel 1804, di diventare il primo direttore professionale del Louvre.
Nike of Samothrace, c.200-180 B.C. Paris, Louvre
L’immagine classica greca Nike, faceva parte di una struttura complessa scultorea, parte di una pala d’altare perduta. La dea greca della Vittoria, spazzata dal vento, era posizionata sulla prua di una nave di pietra scolpita, il suo drappeggio soffiato contro il suo corpo dalla forza del vento, e della pioggia. Oggi la Vittoria di Samotracia domina l’Escalier Daru del 1850 al Louvre. Il console francese sull’isola greca di Samotracia, Charles Champoiseau, fece la scoperta nel 1863. Continuando una tradizione ormai consolidata, ha spedito l’opera d’arte in Francia per l’irritazione permanente dei residenti dell’isola egea che la vorrebbero restituita.
Una versione estesa di questo articolo può essere trovata sul April 13th, 2013
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