Creare una testimonianza permanente, en plein air, del paesaggio della Riviera
Berthe Morisot, Paesaggio di Nizza, 1888
Il Grand-Prix de Monaco annuncia il momento in cui gli artisti avventurosi, gli amanti della Costa Azzurra, possono avventurarsi e, seguendo le orme dei loro illustri precursori, iniziare a dipingere la bellezza della regione en plein-air. Il tempo è piacevole, il sole non è così intenso come sarà nei prossimi mesi, e i luoghi sono meno affollati.
Non ci sono molte testimonianze di pittrici importanti che dipingono sulla Riviera durante gli anni dell’Impressionismo, eccetto Berthe Morisot. La cognata di Manet trascorse l’inverno del 1888 a Cimiez dove dipinse una serie di paesaggi in acquerelli, schizzi a olio e pastelli. Il clima mite della Riviera faceva sì che dipingere all’aperto fosse un’attività piacevole. Come era di moda all’epoca, fece una serie di studi di figure che indossavano costumi tradizionali di Nizza. Fu un peccato che molti dei suoi amici più cari, Monet, Renoir, Mallarmé o Mary Cassatt non potessero, per vari motivi, raggiungerla come lei aveva sperato. Mary Cassatt si era rotta una gamba e Renoir si ammalò lavorando all’aperto nella Champagne.
I pittori che usano mezzi fotografici copiando, per esempio, un paesaggio da una foto non fanno nulla di strettamente sbagliato. Dopo che Niépce e Louis Daguerre svilupparono la fotografia in Francia, Delacroix e Ingres riconobbero l’aiuto che poteva fornire per documentare la loro opera, o quando dipingere sul posto risultava impraticabile. Degas sviluppò la tecnologia come strumento che lo aiutasse nella composizione della sua serie più innovativa di quadri di ballerine e vedute del circo.
I pittori fotorealisti degli anni sessanta, come Richard Estes e Philip Pearlstein, accettarono una fotografia come un soggetto valido in sé. Usavano diapositive a colori ingrandite a dimensioni di poster per creare quadri con un elevato senso di realisticità . Andy Warhol fece un successivo passo avanti prendendo come soggetti fotografie di dipinti di grandi maestri e creando non solo l’immagine di una foto, ma una fotografia di un dipinto. Questo creò una maggiore distanza dal soggetto originale e lo stile noto come iperrealismo. I surrealisti, in particolare Salvador Dali, negli anni trenta, tentarono qualcosa di simile in un formato più piccolo. Il miglior esempio di Warhol in questo genere fu il suo set di quattro serigrafie del 1984, la serie Venus, basata sulla Nascita di Venere di Sandro Botticelli di 1482.
Una tecnica che alcuni artisti hanno adottato in tempi recenti è stata quella di utilizzare un proiettore per generare un’immagine a colori di una diapositiva su una tela. Una volta completato, l’artista dipingeva sopra l’immagine, senza lasciare traccia della fotografia originale. L’artista poteva anche fissarla in modo permanente, sviluppandola chimicamente allo stesso modo di una fotografia. Un’altra tecnica fu di stampare l’immagine su una tela preparata usando una stampante a getto d’inchiostro a carrello largo e inchiostri pigmentati.
L’artista avrebbe poi completato il dipinto usando acrilici o oli per ottenere un effetto “quasi dipinto a mano”. Per i non esperti il risultato fu, invariabilmente, stentato e senza vita. Era molto più creativo e originale che l’artista tentasse, entro i limiti delle sue capacità tecniche e creative, di dipingere la sua interpretazione veritiera e personale dell’immagine.
Dipingere all’aperto non è proprio così “all’aperto” come sembra. Uno degli aspetti più curiosi dell’Impressionismo è che la scuola è emersa sulla costa della Normandia dove il tempo, a differenza di quello della Riviera, è capriccioso. Infatti, la maggior parte dei precursori degli impressionisti erano dal nord della Francia, tra cui Corot, Boudin (nato a Honfleur sulla costa normanna nel 1824) e Manet. Lo sviluppo di nuove tecnologie pittoriche, come i colori ad olio confezionati in tubi di piombo, rese più facile dipingere all’aperto, ma non eliminò i problemi dei feroci venti atlantici, della pioggia e della neve.
L’artista del diciannovesimo secolo che lavorava all’aperto fu aiutato dall’introduzione dello ‘Strandkorb’, una poltroncina da spiaggia in vimini con cappuccio, introdotta nelle località balneari del Mare del Nord. Questi fornivano all’artista, al suo cavalletto e alla sua tela tesa, un riparo e una protezione dal vento, dalla pioggia e dalle fatali raffiche di sabbia. Boudin risolse alcune delle sfide logistiche del dipingere all’aperto creando dei ripari simili a quelli che si vedono oggi sulle spiagge del Belgio, un frangivento che gli permetteva di lavorare senza che il vento spazzasse o portasse via la sua tela e il suo cavalletto.
Il Boite de Campagne o cavalletto portatile a cassetta fu introdotto in questo periodo per dipingere all’aperto ed ebbe un successo immediato al punto che è ancora in produzione e usato dagli artisti fino ad oggi. Può portare i colori dell’artista, i pennelli, una tela di medie dimensioni e spesso lo sgabello a treppiede dell’artista. Daubigny costruì dei baldacchini dai quali dipinse, in situ, almeno uno dei quadri che espose al Salon, ‘Villerville-sur-mer’, oggi all’Aia.
Claude Monet , Spiaggia di Trouville 1870. Collezione privata
Gli esami macro rivelano che mentre lavorava, i granelli di sabbia si sono incastrati nel quadro a olio fresco e sono rimasti lì fino a oggi. L’immediatezza creata dagli impressionisti, che dipingevano direttamente dalla natura, è portata in vita dall’analisi forense effettuata sulla “Spiaggia di Trouville” di Monet del 1870.
Claude Monet, Treno nella neve, 1875, Musée Marmottan, Paris.
Anche uno sguardo superficiale al “Treno nella Neve” di Claude Monet; la neve profondamente accumulata, il cielo grigio acciaio, la nebbia e l’aria generale di freddo e miseria che il capolavoro evoca così accuratamente, farebbe sospettare, anche ai non pittori, che egli stesse in realtà godendo del comfort di una stufa a carbone di ghisa rovente in una vicina rimessa ferroviaria mentre lavorava alla sua tela. Ci sono limiti alla sofferenza per la propria arte anche da parte di artisti plein-air così fanatici come il grande Monet.
Ci sono altri pericoli cui il pittore di paesaggi è soggetto. Bambini fastidiosi che si divertono a lanciare pietre contro i pittori di paesaggi (cosa che accadde a Charles-François Daubigny, della scuola di Barbizon, durante gli anni 1860 in Normandia). Molti altri artisti prima e dopo, hanno ricevuto abusi simili, compreso l’autore.
Matthew, mentre tentava di tratteggiare lo scenario locale da ragazzo, nella Dublino degli anni ‘50, lungo il Canal Grande e, in modo simile, più tardi nell’isola di Madeira, ha sperimentato un trattamento simile a quello di Daubigny, mentre dipingeva all’aperto.
Un’altra curiosa tendenza che il pittore incontra, occasionalmente, mentre dipinge in campagna è il senso di invadenza che la gente del posto ha per la sua proprietà. La nozione che il pittore sta, in qualche modo, rubando l’immagine della loro campagna, il loro “droit d’auteur”. Altre lamentele sono la contaminazione dell’ambiente a causa dell’odore dei colori ad olio e della trementina o, a livello più pratico, la presenza dei pittori non è l’arte, piuttosto è il furto del bestiame o della frutta pendente della proprietaria.
A parte i locali invadenti, i pittori otterranno un bestiame curioso che li attirerà da parte per vedere cosa, esattamente, l’artista stia facendo. In un’occasione, a Hayfield, una città rurale nel sud dell’Australia, l’autore, mentre dipingeva un paesaggio visto dall’interno di un vecchio fienile in legno, poco dopo aver iniziato a dipingere, fu raggiunto da un enorme toro che sembrava vagare casualmente nelle vicinanze. Si avvicinò e si sedette tranquillamente accanto a Matteo, dove rimase il tempo sufficiente per permettere all’autore di fare un disegno della sua testa e delle sue spalle. Qualche tempo dopo la bestia, emettendo un leggero sospiro, si alzò, uscì dall’ingresso della stalla e scomparve dietro un angolo.
Rembrandt, pittore di paesaggi
Rembrandt, pittore di paesaggi, è assalito da un toro geloso: uno degli innumerevoli problemi riscontrati dagli artisti nel dipingere all’aperto.
“Ci sono, sorprendentemente, pochi dipinti di bestiame attributi a Rembrandt”.
Il libro dell’autore ‘The Adventures of Rembrandt’ illustra, in diversi opere, le difficoltà che gli artisti affrontano quando dipingono all’aperto. La ragione per cui Rembrandt è meno conosciuto per i suoi dipinti di scene rurali è, forse, la poca importanza che i soggetti paesaggistici avevano nell’arte rinascimentale. La società considerava i soggetti figurativi e la storia, come soggetti, più nobili. Il paesaggio rurale sullo sfondo di questo acquerello è la contea nord di Dublino. Il toro rampante che trascina Rembrandt dietro di sé si riferisce all’opera su tela, Lo Stupro d’Europa, di Carlo Maratta, che Matthew restaurò nella galleria nazionale irlandese a Dublino.
Non vi lasciate scoraggiare dai contrattempi e dalle difficoltà qui descritte quando dipingete en plein air. Dipingendo all’aperto, creerete una testimonianza permanente, finché rimane, del paesaggio della Riviera, della sua architettura e della sua bellezza unica che nessuna fotografia può sostituire. Già nel 1968, gli storici Jean e Danièle Lorenzi descrivevano come, sotto il pretesto dello sviluppo, la speculazione aveva già distrutto molte delle vecchie ville e l’architettura unica della vecchia Mentone. Rimangono solo i dipinti del pittore mentanese del XIX secolo, Phillibert Florence, che aveva dedicato la sua arte alla registrazione della Mentone fin-de-siècle. La maggior parte dei suoi acquerelli, pastelli e oli sono in Inghilterra, il resto è sparso per l’Europa e alcuni sono conservati nel Palais Princier di Monaco. C’è ancora tempo per gli artisti che vivono sulla Riviera per scoprire scene che potrebbero immortalare e che Renoir o Berthe Morisot stessa avrebbero riconosciuto.